Résumé : “Quelle serait l’archivistique si on la concevait depuis l’exploitation ? En se proposant de répondre à cette question, nous cherchons à mettre en évidence les divers aspects à prendre en considération dans une approche de la discipline selon l’exploitation. Notre démarche collaborative s’inscrit dans le deuxième objectif du projet de recherche « De la diffusion à l’exploitation : nouveau regard sur l’archivistique », à savoir enrichir la conception des archives en fonction de l’exploitation. Un glossaire, qui regroupe les définitions des termes en lien avec l’exploitation, est à même d’offrir une vue d’ensemble de cette nouvelle approche. Par ailleurs, suite à l’exposition « Conrad Poirier, photoreporter (1912-1968) » soulignant l’entrée dans le domaine public de l’œuvre du photographe montréalais, nous avons choisi d’inclure de ses photographies ainsi que des œuvres produites à partir de celles-ci par Simon Côté-Lapointe à nos propos. Ce faisant, nous visions à ce que les photographies puissent faire image à nouveau, à rendre tangible l’exploitation des archives.”
Table ronde organisée dans le cadre de l’exposition «Conrad Poirier photoreporter (1912-1968) : Valoriser les biens communs du domaine public»
Animation de la table ronde :
• Yvon Lemay, professeur à l’École de bibliothéconomie et des sciences de l’information à l’Université de Montréal et responsable du certificat en archivistique.
Intervenants :
• Marie Martel*, professeure adjointe, École de bibliothéconomie et des sciences de l’information, Université de Montréal • Annaëlle Winand*, doctorante à l’EBSI, Université de Montréal • Simon Côté-Lapointe, compositeur, créateur sonore et vidéaste, doctorant à l’EBSI, Université de Montréal
Le lundi 11 mars 2019 de 16h30 à 18h30
Au Carrefour des arts et des sciences de l’Université de Montréal, Salle C-1017-02, 3150, rue Jean-Brillant, Montréal
Je suis heureux de collaborer en tant qu’artiste visuel à l’exposition soulignant la tombée dans le domaine public des photographies de Conrad Poirier.
du 24 janvier au 31 mars 2019
Local C-3061, Carrefour des arts et des sciences, Pavillon Lionel-Groulx, Université de Montréal
Il y a trois composantes d’un document : contenu, forme et contexte. Le contenu correspond à la part abstraite, au signe, à l’essence, au signifiant, au fond et à l’objet du message, l’information et la connaissance qui visent à être transmises. Le contenu est ce qui est perceptible et interprétable comme véhiculant un sens. Il ne peut exister sans une forme qui en définisse ses limites temporelles et spatiales. Il n’a de sens que parce qu’il s’insère dans un contexte humain plus large. La dimension de la forme réfère quant à elle aux aspects du contenant, du format, de la structure, du signifiant, du support, de la manifestation, de la matérialité, de la technique, de l’inscription, de la trace et de la délimitation temporelle et spatiale du document. La forme correspond aux modalités de l’organisation intellectuelle et physique du contenu. La dimension du contexte réfère aux aspects sociaux et techniques (ce qui permet d’inscrire et de lire) ainsi que les métadonnées du document, soit les informations extérieures au document. Le contexte est le liant (humain, temporel, spatial, technique, etc.) entre le contenu et le contenant.
Les trois composantes (contenu, forme et contexte) s’articulent en quatre grandes strates définissant le document et son processus de constitution : expression, inscription, transmission et lecture. La première strate est l’expression, qui conjugue le signifiant et le signifié sous un mode spécifique (un média sonore, visuel, etc.) permettant au contenu de l’œuvre d’être exprimé. Ce contenu peut se manifester sous différentes formes et grâce à son inscription sur un support. La deuxième strate du document est l’inscription. L’inscription est la résultante de la fixation de l’expression du contenu sur un support. Le document est un artéfact, une inscription qui s’insère dans un système, un contexte de production et de consultation. Troisième strate, la transmission est l’organisation du document par son détenteur dans un ensemble, une structure ou un dispositif plus large qui permet la sauvegarde et la médiation de son contenu et de son contenant à travers le temps à des fins de réutilisation ultérieure. Il s’agit aussi de la temporalité du document qui débute dès le moment de sa création. Le niveau de la lecture est la consultation et l’interprétation, la réappropriation du contenu, de la forme et du contexte du document.
Lorsque je m’approprie les photographies de Conrad Poirier, il est possible de faire appel tant aux composantes qu’aux strates documentaires. Ainsi, j’utilise tantôt l’expression en superposant la signification des objets représentés dans les photographies pour faire émerger un autre sens que celui d’origine. J’utilise tantôt la forme de l’expression des photographies, c’est-à-dire l’exploitation de leurs qualités esthétiques en elles-mêmes sans nécessairement faire référence à leur signification. Il est aussi possible de faire référence au contexte d’expression et d’inscription des photographies. Par exemple, certaines des photographies de Conrad Poirier ont été prises lors de la fin de la Seconde Guerre mondiale ou représentent des personnes connues. On retrouve des clins d’œil à ces contextes culturels dans l’œuvre Richard Trenet, tant par le titre que par la superposition des personnages célèbres.
Richard Trenet – Photomontage, Simon Côté-Lapointe 2019
L’inscription fixe les caractéristiques de la photographie : le type de pellicule, le type d’appareil, le format de l’image, le développement, etc. sont autant d’aspects à exploiter dans l’usage créatif des archives photographiques. Par exemple, dans Saut en hauteur, j’ai mis en perspective les traces de la pellicule et du format d’image en laissant apparaître les bords et les inscriptions de la photographie d’origine.
Saut en hauteur – Photomontage, Simon Côté-Lapointe 2019
La transmission est la dimension temporelle de la photographie. Elle se manifeste par les traces laissées par le passage du temps : les dommages qu’ont subis les photographies au fil du temps ainsi que les divers états par lesquels elles ont passé – notamment, dans le cas de Conrad Poirier, la numérisation et le traitement archivistique. La numérisation et la qualité du fichier numérique influent sur le contenu et la forme du document original, et ceci a une influence sur les utilisations. Par exemple, l’œuvre Photographe est réalisée à partir de copies numériques de piètre qualité, ce qui donne un grain spécifique à l’image. J’ai aussi exploité le contexte de transmission en intégrant dans certaines images les descriptions archivistiques des photographies.
Photographe – Photomontage, Simon Côté-Lapointe 2019
Cette création est en soi une forme de lecture (au sens large) qui transpose les contenus, formes et contextes accumulés lors de l’expression, l’inscription et la transmission des œuvres de Conrad Poirier qui deviennent dès lors de nouveaux contenus et formes qui s’inscrivent dans un contexte actuel. Cette réutilisation de l’œuvre de Conrad Poirier se manifeste donc par de nouveaux documents qui ont leurs propres contenus, formes et contextes, mais qui, par un procédé de sédimentation, héritent aussi des composantes et strates de leurs états subséquents, certains visibles, d’autres disparus, révélant ainsi la richesse du dialogue entre passé et présent que permet l’exploitation des archives.
Cliquez ici pour visionner l’ensemble des photomontages du projet :
Images créées en 2019 à partir de photographies du photoreporter Conrad Poirier (1912-1968)
Démarche de création pour le projet Conrad Poirier
Il y a trois composantes d’un document : contenu, forme et contexte. Le
contenu correspond à la part abstraite, au signe, à l’essence, au signifiant,
au fond et à l’objet du message, l’information et la connaissance qui visent à
être transmises. Le contenu est ce qui est perceptible et interprétable comme
véhiculant un sens. Il ne peut exister sans une forme qui en définisse ses limites
temporelles et spatiales. Il n’a de sens que parce qu’il s’insère dans un
contexte humain plus large. La dimension de la forme réfère quant à elle aux
aspects du contenant, du format, de la structure, du signifiant, du support, de
la manifestation, de la matérialité, de la technique, de l’inscription, de la
trace et de la délimitation temporelle et spatiale du document. La forme
correspond aux modalités de l’organisation intellectuelle et physique du
contenu. La dimension du contexte réfère aux aspects sociaux et techniques (ce
qui permet d’inscrire et de lire) ainsi que les métadonnées du document, soit
les informations extérieures au document. Le contexte est le liant (humain,
temporel, spatial, technique, etc.) entre le contenu et le contenant.
Les trois composantes (contenu, forme et contexte)
s’articulent en quatre grandes strates définissant le document et son processus
de constitution : expression, inscription, transmission et lecture. La
première strate est l’expression, qui conjugue le signifiant et le signifié
sous un mode spécifique (un média sonore, visuel, etc.) permettant au contenu
de l’œuvre d’être exprimé. Ce contenu peut se manifester sous différentes
formes et grâce à son inscription sur un support. La deuxième strate du
document est l’inscription. L’inscription est la résultante de la fixation de
l’expression du contenu sur un support. Le document est un artéfact, une
inscription qui s’insère dans un système, un contexte de production et de
consultation. Troisième strate, la transmission est l’organisation du document
par son détenteur dans un ensemble, une structure ou un dispositif plus large
qui permet la sauvegarde et la médiation de son contenu et de son contenant à
travers le temps à des fins de réutilisation ultérieure. Il s’agit aussi de la
temporalité du document qui débute dès le moment de sa création. Le niveau de
la lecture est la consultation et l’interprétation, la réappropriation du contenu,
de la forme et du contexte du document.
Lorsque je m’approprie les photographies de Conrad Poirier,
il est possible de faire appel tant aux composantes qu’aux strates
documentaires. Ainsi, j’utilise tantôt l’expression en superposant la
signification des objets représentés dans les photographies pour faire émerger
un autre sens que celui d’origine. J’utilise tantôt la forme de l’expression
des photographies, c’est-à-dire l’exploitation de leurs qualités esthétiques en
elles-mêmes sans nécessairement faire référence à leur signification. Il est
aussi possible de faire référence au contexte d’expression et d’inscription des
photographies. Par exemple, certaines des photographies de Conrad Poirier ont
été prises lors de la fin de la Seconde Guerre mondiale ou représentent des
personnes connues. On retrouve des clins d’œil à ces contextes culturels dans l’œuvre
Richard Trenet, tant par le titre que
par la superposition des personnages célèbres.
L’inscription fixe les caractéristiques de la
photographie : le type de pellicule, le type d’appareil, le format de
l’image, le développement, etc. sont autant d’aspects à exploiter dans l’usage
créatif des archives photographiques. Par exemple, dans Saut en hauteur, j’ai mis en perspective les traces de la pellicule
et du format d’image en laissant apparaître les bords et les inscriptions de la
photographie d’origine.
La transmission est la dimension temporelle de la
photographie. Elle se manifeste par les traces laissées par le passage du
temps : les dommages qu’ont subis les photographies au fil du temps ainsi
que les divers états par lesquels elles ont passé – notamment, dans le cas de
Conrad Poirier, la numérisation et le traitement archivistique. La numérisation
et la qualité du fichier numérique influent sur le contenu et la forme du
document original, et ceci a une influence sur les utilisations. Par exemple,
l’œuvre Photographe est réalisée à
partir de copies numériques de piètre qualité, ce qui donne un grain spécifique
à l’image. J’ai aussi exploité le contexte de transmission en intégrant dans
certaines images les descriptions archivistiques des photographies.
Cette création est en soi une forme de lecture (au sens
large) qui transpose les contenus, formes et contextes accumulés lors de
l’expression, l’inscription et la transmission des œuvres de Conrad Poirier qui
deviennent dès lors de nouveaux contenus et formes qui s’inscrivent dans un
contexte actuel. Cette réutilisation de l’œuvre de Conrad Poirier se manifeste donc
par de nouveaux documents qui ont leurs propres contenus, formes et contextes,
mais qui, par un procédé de sédimentation, héritent aussi des composantes et
strates de leurs états subséquents, certains visibles, d’autres disparus,
révélant ainsi la richesse du dialogue entre passé et présent que permet
l’exploitation des archives.
Vidéo créée dans le cadre de l’exposition Conrad Poirier (photoreporter 1912-1968) “Valoriser les bien communs du domaine public” Exposition à l’Université de Montréal 24 janvier au 31 mars 2019
Musiques de Martin Gauthier et Simon Côté-Lapointe
Un voyage initiatique dans l’univers de l’artiste visionnaire Jean Pronovost, créateur d’œuvres hautement revendicatrices, où le symbolisme et la mythologie occupent une part très importante de son art. Nous y découvrirons son œuvre la plus achevée, le Sphinx, véritable pont temporel qui remet l’identité de l’homme en question.
Réalisé par Martin Mc Kay, produit par Igor Simonnet et narré par l’acteur Guy Nadon, le film relate tout le parcours créatif qui a mené à la naissance de cette sculpture évocatrice.
Visionnez ici le documentaire complet :
Inspiré par ses périples en Europe où le créateur a vu différentes représentations du Sphinx, cette figure importante de la mythologie millénaire agissait à l’époque comme gardien de la civilisation chez les Égyptiens. Ainsi,Pronovost convertit les attributs anciens de ce symbole pour l’incarner parfaitement dans la modernité. Un homme gigantesque, représentant l’avidité de notre société contemporaine, tient un lingot d’or dans sa main droite qu’il a dérobée au trésor public, tout en tenant, dans sa main gauche, le marteau de la Justice. Repose sous lui, un coffre-fort vidé de son contenu. Dans cette création, le Sphinx symbolise l’espoir, car il terrasse les excès de la bêtise humaine.
Cette pièce de 800 livres et démontable en 5 morceaux est composée essentiellement de bronze, de résine et d’acier. L’artiste a investi des milliers d’heures de dur labeur pour donner vie à cette colossale sculpture conçue entre 2009 et 2012.
Congrès de l’Association des archivistes du Québec 2017
Je suis heureux de participer au 46ième congrès de l’Association des archivistes du Québec (AAQ) qui se déroule du 31 mai au 2 juin 2017. J’y ferai une présentation dans le cadre de la session ”En marge de l’archivistique : pratiques filmiques et vidéographiques comme moteurs théoriques et pratiques de la réflexion archivistique” avec Annaëlle Winand, Sonya Stefan et Guillaume Vallée.
Mercredi le 31 mai à 15h15 au Palais des congrès de Montréal
En marge de l’archivistique : pratiques filmiques et vidéographiques comme moteurs théoriques et pratiques de la réflexion archivistique
Les mutations technologiques et les développements numériques qui marquent notre société bouleversent nos rapports au temps, à la mémoire, à l’espace et à l’autre. Cette situation incite les chercheurs à repenser leur discipline sous un nouvel angle, à reconsidérer leurs objets d’études dans un contexte changeant, ainsi qu’à mettre en œuvre de nouvelles collaborations. Dans ce cadre, l’exploitation des archives par les artistes suscite de plus en plus d’intérêt, tant dans les milieux académiques qu’artistiques: là où il était question de patrimoine et de mémoire, c’est maintenant «l’archive» qui est interrogée dans sa qualité d’outil conceptuel pour penser les transitions du numérique.
Dans ce contexte mouvant, il s’agit d’explorer de nouveaux terrains pour l’archivistique afin de renouveler la réflexion et de nourrir les pratiques. De récentes études ont mis au jour l’intérêt de l’exploitation des archives par les artistes dans un cadre archivistique. Il a été démontré que ces créateurs mettent en lumière certaines caractéristiques et fonctions des archives, qui ne sont pas forcément prises en considération par les archivistes. De plus, certains archivistes appellent à une prise en considération des pratiques et disciplines en marge de l’archivistique pour comprendre les changements initiés par le numérique auxquels la discipline doit s’adapter.
En partant du point de vue de l’archiviste américain Rick Prelinger qui affirme que les pratiques les plus intéressantes dans la redéfinition de notre relation aux archives proviendront des pratiques en marge, que pourrait-on apprendre des artistes qui ont une relation aux archives dans leurs pratiques ? En adoptant un point de vue interdisciplinaire, cette conférence immersive propose d’instaurer un dialogue entre les différents acteurs réunis autour de l’archive, pour répondre aux interrogations actuelles des archivistes qui ne trouvent pas toujours de réponses dans le cadre traditionnel de leur discipline.
Simon Côté-Lapointe abordera la question de l’exploitation créative des documents audiovisuels d’archives numériques et en quoi celle-ci pousse les institutions et archivistes à repenser leurs moyens d’organisation et de diffusion sur le Web.
Guillaume Vallée abordera la question de l’artiste en tant que bricoleur et la relation qui existe entre ses différents dispositifs de création/diffusion et l’archive cinématographique, principalement au sein d’une scène audiovisuelle alternative.
Sonya Stefan parlera de sa pratique, qui mêle les médiums de la danse, du cinéma et des performances audiovisuelles, tout en mettant à l’honneur les défauts. Elle utilise des matériaux abimés de tous genres: des pellicules d’archives cinématographiques, des machines dysfonctionnelles et différents médias numériques trouvés sur l’Internet.
Le principe du glitch art est de modifier, de corrompre un fichier numérique par des moyens détournés.
« On savait déjà que les ratés du numérique pouvaient donner naissance aux expérimentations musicales les plus intéressantes. Aujourd’hui, les partisans du glitch art transforment les bogues en images fascinantes. » (Arte, Glitch)
Le glitch peut s’appliquer tant aux documents visuels que sonores. Les documents originaux présentaient déjà plusieurs glitchs – pixellisation des images, distorsions numériques sonores, etc. – dus au transfert de support. Il ne me restait qu’à exploiter cette manne. Plusieurs techniques ont été expérimentées, mais peu sont applicables dans l’environnement Windows. En effet, à la différence de Mac, Windows permet peu ou pas la lecture de fichiers « corrompus » ou dont le codage a été modifié de manière non conventionnelle. Cependant plusieurs logiciels et ressources en ligne dédiés au glitch ont été testés, mentionnons au passage Corrupt.Video, Pixel-Drifter, Satromizer, GlitchPatternGenerator_5, Unsigned mirror et img glitcher.
Scan glitch
La principale technique retenue pour la vidéo, le scan glitch, consiste à déplacer un document lors de la numérisation à l’aide d’un numériseur pour créer des déformations. Étant donné que les documents reçus étaient en format papier, cette technique s’avérait particulièrement adaptée aux circonstances. C’est donc dire qu’il s’agit d’un triple transfert : le document ayant été une première fois numérisé puis imprimé par le service d’archives pour être par après numérisé de nouveau. Toutes les images proviennent du Service de gestion des documents et des archives de l’Université Concordia.
→ Voir aussi la vidéo 7. Cris et murmures ou La glossolalie du trompe-l’œil dans la section Projet Archivoscope.
La Divine Comédie est un film expérimental de Simon Côté-Lapointe réalisé en 2014. Cette section du site présente la démarche, les principales étapes de création et les documents de travail en lien avec ce projet.
→ Démarche
Le film est une interprétation libre du texte du livre la Divine Comédie du poète Dante Alighieri. Conçue à la base comme une vidéo expérimentale, deux versions de l’œuvre ont été réalisées : une première version longue intégrale de plus d’une heure et une seconde version de vingt minutes condensée et construite à partir d’une trame plus narrative. La création de cette œuvre a été rendue possible grâce à l’appui financier du Conseil des arts et des lettres du Québec.
→ Bande-annonce
→ Visionner en ligne
Via la plateforme VHX, vous pouvez visionner en ligne et/ou télécharger les deux versions du film. La version longue totalise 1 heure 6 minutes alors que la version courte dure 20 minutes. Voir le site https://simoncotelapointe.vhx.tv/ pour plus de détails.
Le poète Dante veut rejoindre au Paradis son immortel amour Béatrice, qui est au Paradis depuis sa mort. Cependant, le voyage ne sera pas de tout repos. Aidé par son guide Virgile, poète lui aussi, il devra passer par l’Enfer et le Purgatoire, rencontrant monstres mythiques et personnages historiques tout au long de ce voyage surréaliste.
Adaptation du classique italien du 14ième siècle, la Divine Comédie est un voyage onirique sans paroles, une expérience exaltante mélangeant animation, art vidéo et imagination.
Le projet a subi de profondes modifications depuis sa mise en marche en janvier 2012. Ce que j’avais imaginé comme un vidéo expérimental combinant une prestation en direct s’est transformé graduellement en un film formé d’une structure plus narrative. En effet, lors de la rédaction du plan préliminaire, il m’a semblé nécessaire d’aller plus loin dans la conception des images.
→ Structure
Le vidéo est structuré en 3 grandes sections (Enfer, Purgatoire et Paradis) totalisant 47 scènes. Chaque scène est subdivisée en séquences qui peuvent comprendre un ou plusieurs plans. Il y a eu trois versions dans l’élaboration de cette structure qui constituait un canevas à la réalisation des images. La première est le plan préliminaire, résumant le livre. La deuxième est le storyboard. La troisième est la division chronologique.
À partir du plan préliminaire, j’ai écrit un storyboard, intégrant un aspect plus narratif que prévu au départ. Le résultat est donc un mélange oscillant entre des plans plus descriptifs (combinaisons de monstres animés, marionnette, figurants et décors) et l’aspect vidéo plus expérimental initialement prévu.
J’ai fait appel à Marcel Thériault et Martin Gauthier pour réaliser respectivement des toiles (décors peints) et élaborer des décors virtuels (utilisation des logiciels After effects et 3ds max). Le projet intègre des médias différents (l’animation 3d et l’ajout de séquences filmées de figurants) pour créer une richesse visuelle travaillée et diversifiée.
Peintures
Chemin des cercles de l’Enfer
L’abîme
La cité de Dité
La tour de garde
Marionnette – Étapes de création
Une collaboration avec la marionnettiste Marcelle Hudon était prévue dès la première mouture du projet. L’idée étant de construire sur mesure une marionnette pour personnifier Dante tout au long du film. La marionnette est ajoutée par après dans les décors avec la technique d’incrustation (green screen).
ÉTAPE 1 : Recherche préliminaire
Une recherche d’images de Dante a permis de circonscrire l’allure du personnage en particulier pour le costume de la marionnette, confectionné par Claire Côté.
Statue de Dante, 16e siècle, Firenze.
Dante, peinture de Domenico di Michelino, Florence, 1465.
Portrait de Dante, par Sandro Botticelli
Detail de la statue de Dante, 16e siècle, Firenze.
ÉTAPE 2 : Styles de Marionnette
Des images de marionnettes ont été sélectionnées pour fixer le style de la marionnette.
ÉTAPE 3 : Création des têtes
Quatre têtes interchangeables en argile ont été créées pour avoir un choix d’expressions différentes lors du tournage.
ÉTAPE 4 : Papier mâché
Ensuite, les têtes ont été recouvertes de papier mâché puis vidées. Le costume a pu être testé à cette étape.
ÉTAPE 5 : Peindre les têtes
Ne restait qu’à appliquer la patine sur les têtes. Le travail a été réalisé par Marcel Thériault.
Animation et montage
Un travail de plus de deux ans fut ensuite nécessaire pour réaliser le film plan par plan en intégrant marionnette, figurants, monstres et décors. Les logiciels suivants ont été utilisés :
Adobe After Effect; pour les décors et les animations en 2d et 2.5d.
3ds Max; entre autres pour les modèles 3d des cercles de l’Enfer, de la montagne du Purgatoire.
Anime Studio pour certains effets d’animation.
Vegas Pro pour le montage en tant que tel.
La technique du green screen a été utilisé pour la marionnette et les figurants. Plusieurs aspects de l’histoire ont dû être modifiés ou laissés de côté lors du tournage et de la réalisation des plans. Une fois les plans réalisés uns à uns, j’ai fait le montage en intégrant lors du processus l’aspect visuel plus expérimental.
→ Musique et conception sonore
La musique a été ajoutée sur les images par après. J’ai effectué quelques recherches sur la musique médiévale et des mélodies du Livre vermeil de Montserrat datant du 14e siècle ont été réarrangées et intégrées à la composition – voir la version longue du film à 18 minutes et 23m04sec ou écoutez l’extrait suivant.
Vous pouvez écouter un extrait de la pièce Stella Splendens in Monte (voir page 2 de la partition) interprétée avec des instruments médiévaux en cliquant ici.
La musique fut créée en combinant différentes techniques de compositions et de créations.
Instruments acoustiques préenregistrés – saxophones (Alexandre Fecteau), tuba (Philippe Legault) et batterie (Magella Cormier – ont servi à générer du matériel pour la composition.
Séquençage et instruments virtuels – échantillonneurs et synthétiseurs ont été utilisés pour la majorité des instruments entendus. J’ai aussi créé un orchestre symphonique virtuel à partir d’échantillonneurs.
Instruments acoustiques – kora, piano à pouce, basse électrique et percussions (Simon Côté-Lapointe)
Plusieurs ajouts de bruitage et d’effets sonores.
Le montage et le mixage furent réalisés avec Cubase.
Le travail de matriçage a été fait par Fred Bouchard.
